Los mejores grupos y cantantes de rock de los 60 y 70 en México. La información aquí publicada es con el propósito de entretener y dar a conocer el rock mexicano de esa época. No hay interés comercial ni mucho menos ganancia lucrativa alguna.
Este quinteto llegó a ser de los favoritos en la TV mexicana y centros nocturnos de la época, participando tambien en diversos eventos realizados por el diario mexicano "Excelsior", y fueron los creadores de un ritmo y baile llamado "El robot" y llegaron a participar en una película de lucha libre, "Neutrón y los asesinos del karate" junto a Los Rebeldes del Rock (salen en la 2ª de 3 partes en que se dividió esta película con Wolf Rubinsky -Ruvinskis su apellido original- de protagonista).
No existe mucha información sobre ellos, pero les dejo lo que viene en la contraportada de su LP CAM-128:
"Fredinand A. Thompson, Randolph J. Sealy, Rudolph Charles, David A. Campbell y Leroy A. Worrel, son los nombres de los cinco extraordinarios artistas panameños que forman el musicalísimo y moderno grupo de LOS GAY CROONERS.
Habiendo estudiado en la misma escuela, estos cinco muchachos dueños de temperamentos diferentes pero a la vez afines entre sí, decidieron un día unir sus voces para crear un conjunto vocal a la manera que ellos sentían y deseaban. Así nació a la vida el grupo de LOS GAY CROONERS.
Se puede decir que su primera experiencia profesional la conocieron a través de un concurso que llevara a efecto allá en su tierra, la administración del hotel Panamá Hilton, concurso que sin muchas dificultades ganaron arrolladoramente y que trajo por consecuencia un ventajoso contrato para trabajar en el mismo hotel.
Dueños ya de un estilo propio no conocido antes de ellos, los Gay Crooners vieron cómo la popularidad se adueñaba del grupo y así se ucedían una tras otra, las contrataciones para actuar en los Teatros de Panamá y Night Clubs.
Pronto se vieron solicitados por los públicos de otros países y fue entonces que dejando su escuela y su patria misma, trabajaron ya como auténticos artistas profesionales ante sus admiradores de Perú, Chile, Argentina, Ecuador, Colombia, Costa Rica, El Salvador y Buatemala, para después, llegar a México que es posiblemente, seguún ellos, donde mas han logrado solidez artística y calor de hogar.
Han actuado con extraordinario éxito en el Teatro Blanquita, en los night clubs Señorial, La Fuente, Social, Terraza Casino y han visitado siempre en giras de trabajo, las ciudades de Guadalajara, Chihuahua, Tampico y todas aquellas donde su estilo incomparable de cancionistas modernos se hizo popular por medio de sus grabaciones de las cuales, tomó bandera de hit, la que hicieron a la canción ·El robot" y de la cual tomaron el nombre para bautizar así el nuevo ritmo de que son creadores: RITMO DEL ROBOT.
RCA-CAMDEN ha contratado en exclusiva a LOS GAY CROONERS para poder ofrecer a sus innumerables amigos y clientes la musicalidad sorprendente y la alegría contagiosa de estos cinco extraordinarios artistas panameños y así, ha formado este álbum de larga duración para que todos bailen A RITMO DE ROBOT..."
Aprovechando que se va a celebrar un homenaje a Gloria Rios, les dejo la filmografía en la que participó Gloria Rios, así como sus principales temas grabados. Saludos: GZ
Películas donde interviene Gloria Ríos
Voces de Primavera de 1947 de Jaime Salvador con Gloria Ríos y Adalberto Martínez Resortes
Gallo Giro de 1948 de Alberto Gout
Barrio Bajo de 1950 de Fernando Méndez, con Gloria Ríos y Adalberto Martínez Resortes
Una mujer decente de 1950, de Raúl de Anda
Buenas noches mi amor de 1951 de Fernando A. Rivero
El marido de mi novia de 1951 de René Cardona
Puerto Tentación de 1951 de René Cardona
Te sigo esperando de 1952 de Tito Davison
Juventud Desenfrenada de 1956, dirigida por José Díaz Morales, aparece Gloria Ríos con Mario Patrón
Las Locuras del rock and roll de 1956, dirigida por Fernando Méndez, aparece Gloria Ríos con Mario Patrón.
La rebelión de los adolescentes de 1957
Concurso de Belleza de 1958, dirigida por José Díaz Morales, con Gloria Ríos y Mario Patrón
Cuentan de una mujer 1958 de Juan J. Ortega
Muertos de miedo de 1958 de Jaime Salvador
Melodías inolvidables de 1959, dirigida por Jaime Salvador, aparece Gloría Ríos con el ballet de León Escobar.
Nota: Gracias a Manuel Martínez P. (+) por todos los datos de Gloria Rios y fotos aquí plasmadas.
PRINCIPALES TEMAS DE GLORIA RIOS
Hotel de Corazones rotos (cover) con el Conjunto de Héctor El Arabe Hallal, RCA Victor, México, 1956
El Relojito (cover) con el Conjunto de Jorge Ortega,RCA Victor, México, 1956
Es un vagabundo (cover) con la Orquesta de Pablo Beltrán Ruiz, RCA Víctor, 1958
Only you (cover) con la Orquesta de Pablo Beltrán Ruiz, RCA Víctor, 1958
La Mecedora, con las Estrellas del Ritmo, RCA, México, 1956, Composición original de Mario Patrón,
Ahí nos vemos cocodrilo (cover), con las Estrellas del Ritmo, RCA, México, 1956
Como se ha mencionado en diversas entradas, hubo grupos que eran de jazz o de otros géneros musicales, que incursionan en el rocanrol, por ser el sonido de moda.
Esto fue lo que pasó en el caso de este grupo de jazz comandado por Roberto Ratti, que aprovechando que todo era apropiado para crearse un rocanrol y melodías en general, este grupo decide hacer lo mismo y crea unos buenos discos en los que destacan el lucimiento de sus integrantes al ejecutar sus instrumentos musicales.
Grupo vocal formado por Nacho Méndez en 1966. Nacho se inicia cantando en un trío a fines de los años 50 y tras mucho estudio de ritmos y de trabajos de diseño, llega a Brasil enamorado del nuevo ritmo, el "Bossa Nova" que le hace ir y empaparse de dicho ritmo, llegando a conocer a Carlos Jobim, Joâo Gilberto, Vinicius de Morâes y otros mas....y regresa a México, componiendo jingles para comerciales de radio y TV.
En eso estaba cuando se anima y en 1965, con Juan José Gurrola y Pixie Hopkin estrena, en La Casa de la Paz, el espectáculo “Dos + Ocho en pop”, en el que Nacho y Pixie cantan acompañados de un grupo tropical combinado con un cuarteto clásico de cuerdas, con arreglos y dirección musical del propio Nacho.
Graba un único disco EP (que es toda una rareza) en el que se siente esa influencia del bossa nova, y le abre las puertas a diversos proyectos teatrales y vocales en México, durante el resto de la década (y muy vigente hasta hoy día).
Al igual que muchos músicos de los 50, no fueron rocanroleros por corazón, sencillamente, adaptaron el ritmo a su repertorio y de alguna manera, lo introdujeron en el ánimo y gusto juvenil, con el "visto bueno" de los padres porque lo interpretaban "Orquestas respetables" y no jóvenes rebeldes y estruendosos (jejeje), bueno, les dejo la reseña de este gran "hombre orquesta" mexicano. Saludos: GZ
Nació el 5 de Marzo de 1915 en Los Mochis, Sinaloa. Fueron sus padres Ladislao Rosas y Felipa Rodríguez. Radicó en Los Mochis, Sinaloa; en Nogales, Sonora; en Tijuana, Baja California; en Ensenada, B.C.; en Guadalajara, Jalisco. y en México, D.F. Estudió un año de Leyes y tres años en la Facultad de Química.
Hizo estudios musicales en la Escuela Libre de Música, con el Profesor José Vázquez. Su carrera artística la inició en la ciudad de México en 1953. Su primera obra musical fue "Ya no quiero sufrir", editada por la Editorial de Música Internacional.
La obra con la que tuvo mayores satisfacciones es "¿Quién será?" (en coautoría con Luis Demetrio) porque ha sido un Hit mundial, grabada por artistas internacionales. Esa pieza y el ritmo de su orquesta, le han valido un lugar dentro de la música latina.
Su música sirvió de fondo a varias películas entre las que destacan: México nunca duerme (1958) de Alejandro Galindo, Su Excelencia (1966) de Mario Moreno Cantinflas, Paso a la juventud (1957) con Tin-Tan y, Escuela de vagabundos (1954) con Pedro Infante y Miroslava.
La orquesta de Pablo Beltrán Ruiz grabó el sencillo instrumental Mexican rock and roll, (1956) considerado la primera pieza nacional que incorpora el incipiente ritmo que en pocos años llegaría a conocerse como La nueva música clásica, ya que es a partir de mediados de los cincuenta cuando la clase media mexicana va abandonando los ritmos latinos y se va fascinando con los ritmos sajones.
Su música no falta en los salones de baile y en toda recopilación no puede faltar “quien será la que me quiera a mi, quién será, quién será”.
Las orquestas la tocaban y sirvió de fuente de inspiración a varios creadores. Grupos de mambo, orquestas de danzón y de merengue, de cumbias y más tarde de salsa tomaron como modelo a este músico cuyos éxitos datan de 1953 y siguen sonando en diferentes idiomas y en diferentes películas como en 2006, este tema conocido en inglés como Sway sirvió de tema para la película X-Files, donde Dean Martín canta el conflicto amoroso de Rebecca Scully.
Las big bands de los años 40 influyeron notablemente en los directores mexicanos y en México hay notables ejemplos; en pleno siglo XXI las orquestas locales de los más lujosos hoteles y salones de baile siguen interpretando la música de Pablo Beltrán Ruíz. El Maestro Pablo Beltrán Ruiz falleció el 29 de julio de 2008.
No fue un rocanrolero ni era un jóven adolescente cuando la moda del rocanrol en México pero es uno de los mejores trompetistas de jazz que ha dado México. Les dejo esta reseña, mas que increíble. Saludos: GZ
El relato es de Pepe Morán, su hijo y también jazzista destacado, y del virtuoso Roberto Betuco Arballo, quienes recuerdan emocionados la visita que el músico norteamericano hizo a México en la década de los 80.
Marsalis, quien marcó la década de los ochenta con su espectacular irrupción sobre los escenarios jazzísticos del mundo, fue invitado por el gobierno mexicano a impartir algunos talleres de música, con énfasis en la ejecución de trompeta, su instrumento de dominio. Acudieron estudiantes y músicos en activo a los que el genial trompetista escuchó pacientemente, sin alterarse, impartiendo consejos para mejorar la técnica y explorar nuevos sonidos.
El entonces joven talento, quien incursionó en el jazz desde los 8 años de edad, llegó a México con un estupendo cartel, pues había colaborado con grandes leyendas del jazz como Sarah Vaughan, Dizzy Gillespie, Sweets Edison, Clark Ferry y Sonny Rollins. Al fondo del auditorio estaba el último asistente al taller, embarrado en la butaca, con la trompeta sobre las piernas, desganado, indiferente, que bajó al escenario cuando uno de los asistentes del músico invitado le preguntó si bajaría a mostrar sus habilidades.
Aquel hombre delgado, elegantemente vestido, influenciado por la moda “tintanesca”, bajó con calma desesperante, se posó en el escenario, se puso el instrumento en la boca y se aventó un fragmento de “Pianola”, composición de su inspiración que años más tarde le abrió las puertas de Europa y Oriente. Marsalis, quien después ganó 9 premios Grammy, se quedó clavado al piso, dejó de respirar y enajenado escuchó al legendario “Chilo” Morán. “¡..Se le cayeron los calzones…!
Marsalis, su amigo entrañable desde entonces, dijo: “así se toca el jazz, con fuego, con alma, sin alardes; no se necesita de virtuosismo, sino de corazón, así como lo toca el maestro Chilo..”
Dos historias, dos finales
Las de nuestro querido Chilo Morán y Marsalis son historias semejantes con finales diferentes. Ambos fueron introducidos a la música desde niños por sus padres, también músicos destacados. Ambos fueron “envenenados” por el jazz y ambos buscaron en los sótanos del género formas de comunicar los sentimientos de la humanidad más allá de las palabras, rompiendo las fronteras limitadas del idioma
El contrastante final de ambos radica en la cultura desigual de nuestros pueblos. Marsalis fue reconocido por la prestigiosa revista “Time Magazine” entre las 25 personas más influyentes de EE.UU y en 1997, dos años antes de la muerte del sinaloense, fue el primer músico de jazz que ganó el Premio Pulitzer en la categoría musical con el disco “Blood onthe Fields” (Sangre en los campos), una oratoria épica sobre la esclavitud.
Nuestro “Chilo”, con iguales o mayores méritos, solamente recibió un modesto homenaje en el teatro Ángela Peralta y se le recuerda y olvida, al alimón, como uno de los padres del jazz en México. Nació el 19 de noviembre de 1930 en el pueblo serrano de Concordia, Sinaloa. Hizo sus estudios primarios en Acaponeta, Nayarit, y a los doce años era ya primera trompeta en la orquesta de don Genaro Morán, su padre.
Al cumplir 18, emigró a la ciudad de México e ingresó a la Escuela Libre de Música, donde estudió solfeo con los maestros José Francisco Vázquez, Juan León Mariscal y Humberto Hernández.
Para sobrevivir en la entonces “región más transparente del aire” desempeñó varios oficios que apenas le daban para comer y pagarse los estudios. Después de muchos sufrimientos, integró su primera orquesta en 1951 y 4 años después, junto a Mario Patrón y otros excelentes músicos, grabó el primer disco de rock and roll en México, acompañando a la sensacional Gloria Ríos.
A partir de entonces, formó parte de las orquestas de Arturo Núñez, Ismael Díaz, Luis Alcaraz, Agustín Lara y Pérez Prado, con quien grabó su primera improvisación, la pieza “Pianola”, que le abrió las puertas de Europa y Asia. A su regreso de una gira con “El cara de foca”, inauguró el “Rigus”, donde se presentaban Víctor Ruiz Pazos, Mario Patrón y Tino Contreras, entre otros. Sin embargo, su faceta empresarial fracasó “pues el jazz en México no da para comer, mucho menos para sostener un proyecto de este tipo”, dijo. Luego abrió otro templo del jazz que también cerro “porque la musical y empresarial son actividades incompatibles”, reconoció.
Regresó a lo suyo como primera trompeta en la orquesta de Agustín Lara y solista en la de Chico O’Farrill, Henry Mancini, Paul Muriat, Sergio Méndez, Jerry Lewis y Frank Sinatra.
¡Abrió Bellas Artes!
A fuerza de insistencia, y bajo la idea de que el jazz es un género tan respetable como la ópera o la música de Mozart o Beethoven, logró que el suntuoso y discriminador Palacio de Bellas Artes, abriera sus puertas en 1962 para que por primera vez en su historia se presentara un grupo formal de jazz, dirigido por el sinaloense.
Cinco años más tarde realizó una gira por Estados Unidos, incluyendo Las Vegas, San Francisco, Chicago y Nueva York. Le acompañaron Lenny Andrade, como voz solista; Mario Patrón, en el piano; Víctor Ruiz Pazos, en el bajo; Rodolfo “Popo” Sánchez, en el saxofón alto; Javier Zainos, en la batería; y el “Negro” José de Jesús Muñoz, en las percusiones. El éxito fue completo. En 1980 fue contratado por la orquesta de Paul Mauriat para presentarse en países asiáticos y participó en el festival “Los Internacionales del Jazz”, alternando con otras leyendas mundiales del género.
Un tanto desanimado ante la poca respuesta de la sociedad mexicana hacia el jazz, inició una etapa como arreglista de diversos cantantes de baladas, como José José y Emmanuel. Pero aunque le fue muy bien económicamente, su pasión pudo más y en 1991 regresó al jazz haciendo un dúo magnífico con el pianista Leonardo Corona, con quien grabó el disco “Mexican Favorites”, una serie de arreglos en tiempo de jazz a temas populares mexicanos como “Negra Consentida”, “La Panchita” o “Cuando vuelva a tu lado”.
Gracias a su intervención, la UNAM realizó ciclos sobre el tema y, bajo su patrocinio, se organizaron festivales en Ciudad Universitaria. También participó en la prolífica industria cinematográfica y en la incipiente televisión. Colaboró como músico y actor en cintas de Tin Tan, “El Santo, el enmascarado de plata” y en la película “La Fuga de Carrasco” en 1987, así como en la telenovela “Si Dios me quita la vida”, al lado de Daniela Romo. En 1983 fue nombrado hijo predilecto de Concordia y al año siguiente el Gobierno del Estado de Sinaloa, DIFOCUR y el Ayuntamiento de Mazatlán, le rindieron un merecido homenaje. Un año antes de morir, recibió la medalla “Mario Ruiz Armengol”, máxima presea que otorga el Sindicato Único de Trabajadores de la Música.
En entrevista con el diario La Jornada en 1986, reproducida por Alain Derbez en su libro “El Jazz en México”,hizo una breve reflexión sobre la pobre difusión que los medios masivos mexicanos hacen del jazz: “antes si me sentía mal, pero hoy acepto que en nuestro país la educación musical no es como los músicos quisiéramos. Además, la gente no tiene la culpa ni la obligación de saber música; simplemente escucha lo que le ponen en la radio. Este último punto me hace reflexionar sobre el intento de los medios para ser incluyentes con los materiales que nuestro país propone, no como obligación sino como la misión propia de un eslabón que da continuidad a un trabajo realizado con la más alta de las expectativas cualitativas y cuantitativas…”.
“Chilo” dejó grabado su legado musical, su trompeta abrió puertas infranqueables, vinculó a la UNAM con el jazz, acompañó a muchos interpretes, reinventó el catálogo clásico de la música mexicana y, por si todo esto fuera poco, dejó a Pepe, su hijo, como muestra viva de que el jazz es prolongación genética que no morirá.
A los 68 años de edad, el jueves 8 de abril de 1999, a las 3:15 de la mañana, víctima de la diabetes dejó de existir en la ciudad de México uno de los más dignos y talentosos padres del jazz en México. Como a muchos otros, pueblo y gobierno sinaloenses le adeudan el justo reconocimiento a su talento y legado (Semblanza incluida en el libro La Patria Íntima/Todos Somos Sinaloa de Mario Martini)
Excelente grupo que toco mas jazz que rock, pero pese a dejar su huella en la historia del rock mexicano, su disco pasó casi inadvertido…y es una pena porque tenía buena ejecución de instrumentos y una Mayita Campos muy inspirada.....y el nombre no tiene nada que ver con un grupo de "dark metal" o cosas así, pero era una manera de "rebelión" artístico-musical (o sea, nada que ver con Marilyn Manson por ejemplo, jeje).
Armando Noriega: Sax tenor, solos de Love Should be y Lucifer, flauta en Do y flauta en Sol
Jesús Aguirre: Trombón tenor, solo de Fair maiden
Epifanio Jiménez:Trombón bajo en Purgatory, In search of love, If I go on looking, Final place y There shall be time no longer
Samuel Zarzosa: Batería
Ezequiel Serrano: Percusiones
Enrique Neri: solos de Moog y piano Fender Rhodes
Enrique Sida: Trombón tenor en las 6 canciones
Daniel Céspedes: Trombón bajo
Carlos 'El Tigre' Duffó: Guitarra eléctrica, solo de There shall be time no longer
Jesús Antonio Millán: Guitarra eléctrica
Fidel Chabocho Pérez: Percusiones
Arturo Zamora Peregrino: Percusiones
Lorenzo González: Violín
Daniel Cruz: Violín
Hemigdio Espinosa: Viola
Alberto González: Chelo
Les dejo la información que viene en la contraportada del único LP publicado por el grupo:
"Rodolfo Popo Sánchez, Ramón Flores, Jorge Neri, Homero Patrón, Guillermo Espinosa y Miguel Peña, son músicos jóvenes de diversos origenes, costumbres, ideologías y gustos, que se unieron en un esfuerzo común para realizar este álbum, llevados por el afán de romper con todo lo establecido.
Cansados de ser obreros musicales decidieron auspiciar la grabación de un álbum en el que se incluyeran números por ellos escritos, con arreglos de ellos mismos y ejecutados por una selección de músicos de primerísima fila, elegidos por ellos.
Cada uno aportó una cantidad y entre todos contrataron una sala de grabaciones a su satisfacción y a los elementos de una gran orquesta, sin saber si su esfuerzo sería apreciado como para comercializarlo. Cada uno de ellos tenía en mente obtener una cinta grabada con todos los números, "para escucharla en casa y haberse dado el gusto".
Amigos entre si, los músicos mexicanos con aspiraciones forman una familia unida, muy unida por las mismas frustaciones, fracasos, impotencia de ser siempre utilizados y pocas veces reconocidos. Y al percatarse los demás ejecutantes del contenido, de la calidad de los números y los arreglos "echó el resto" y pronto, mucho antes de que se planeara lanzar a la venta este disco, y corría de boca en boca el prestigio de sus cualidades. Los primeros resultados fueron llevados hasta grabadoras de Estados Unidos y aunque merecían elogios, escaseaban las ofertas de adquirirlo para su distribución. Y por fin vino a RCA.
Ahora es un orgullo presentar a este grupo de esforzados dueños de la más alta calidad musical de México, en una producción fuera de todo programa. Es este álbum un brazalete de diamantes de alto kilataje, de perfecto pulimento, de absoluta pureza, que significa un paso gigantesco en la música mexicana, en la música escrita por mexicanos. Y estamos seguros que es el álbum de más calidad producido en el presente siglo que sólo será superada por ellos mismos en el siguiente que realicen.
Porque cada compás, cada nota, cada respiración, cada instante musical o de silencio fue cuidadosamente grabado con los más sofisticados adelantos técnicos. Y tiene también, el coraje, el empuje, el afán de arte y el corazón de los músicos mexicanos que participaron en su confección con la devoción de cruzados, que pusieron en él su decisión de vencer o morir".
Dejo los datos de los temas publicados en el LP en cuestión:
Lucifer RCA Victor, 1974, LP Purgatory (Rodolfo Popo Sánchez) Love should be (Rodolfo Popo Sánchez) Fair maiden (Homero Patrón/Jorge Neri) Shapes of nothing (Ramón Flores/jorge Neri) In search of love (Jorge Neri) Lucifer (Ramón Flores) Encounter with the devil (Rodolfo Popo Sánchez) If I go on looking (Ramón Flores/Suzanne Neri) Final place (Rodolfo Popo Sánchez/Jorge Neri) Getting rid of your troubles (Miguel Peña/Jorge Neri) There shall be time no longer (Homero Patrón) Arreglos: Rodolfo Popo Sánchez, Homero Patrón, Ramón flores y Mario Patrón
Nacida en Santiago de Chile, Mayita vino a México en 1967, acompañada de su madre, con el Teatro de Ensayo de la Universidad Católica de su país y se quedó. Más tarde, emigrarían su padre y su hermano Kiko. "Desde niña había hecho labor artística. Mis padres eran gente de teatro, vinieron antes del golpe de estado".
Con dos discos en su tierra natal, Mayita comenzó a trabajar en México en televisión con Manuel, El Loco, Valdez. Ya en México grabó Lentamente y Señor locutor en 1966.
También hizo dueto con su hermano Kiko Campos, cantando La taza de té y No te gusto además de grabar otro EP con covers de Dylan y de Joan Báez en 1969. También formó Sonido 5, un grupo vocal.
Anteriormente participó en la obra de teatro Hair, la cual fue prohibida en Acapulco, Guerrero, por órdenes del goberandor en turno, el cual llegó a clausurar el teatro con la fuerza pública. Se grabó el disco de la obra Hair en LP, con una versión dizque en vivo por Orfeón.
También salió en EP, donde destaca Mayita cantando Frank Mills, acompañada del grupo Los Shakes y Horacio Reni entre otros.
Hair, Orfeón, EP, 1968 Los Shakes, (Be-In) company, Hari krishna, cover Los Shakes, (Reni, Yipi and company), Hair, cover Los Shakes, Blackuarius and company, Aquarius, cover Los Shakes, Mayita Campos, Frank Mills, cover
Un año más tarde, los Campos deciden separarse artísticamente y Mayita pasó a formar parte de Soul Force de Javier Bátiz, donde hizo coros.
Después ingresó a Los Esclavos, y con ellos se marchó a Nueva Orleans. "Ahí fue cuando pude definirme como una cantante de blues y jazz", afirma. En Estados Unidos pudo ver en vivo a músicos de la talla de B.B. King y Jimi Hendrix, quienes le dejaron una fuerte impresión.
Luego vino Avándaro, pero en realidad, con Los Yaki sólo estuvo una corta temporada y sin grabar disco alguno. Ingresó posteriromente a Semilla del amor, grupo de corte espiritual y medio ambiental.
Respecto a lo complicado que fue hacerse un lugar en el mundo del rock como mujer, ella opina: "Para todas nosotras fue difícil, fue picar piedra, cantar en otro idioma. El mercado era más bien en inglés que en español".
Llega a Avándaro al Festival, como se indicó, y se presenta con Los Yaki. Dos vertientes se unieron para la formación de este grupo: Los Yaki, que antes se llamaban Los Angeles Azules, integrado (entre otros) por Alfonso Ascencio (guitarra), Marcos Lizama (órgano), Manuel Gazcón (bajo), Miguel Ibarra (batería), Eduardo Toral (teclados). José Luis Gazcón (guitarra y vocales posteriormente) y Benny Ibarra (vocales), aunque era la etapa en la que Los Yaki estaban casi por desaparecer.
Arturo Lara publica lo siguiente: "Los Yaki aparecieron en séptimo lugar, un grupo formado en en la Ciudad de México en 1966, originalmente llamados Los Angeles Azules de Matamoros, Tamaulipas, integrado por dos miembros originales de los Yaki, tres ex integrantes del grupo La Experiencia, y su flamante cantante ex Los Shakes, Mayita Campos, su director musical fue Eduardo Lalo Toral, con una impresionante trayectoria musical, pionero del rock mexicano.
La responsable de la presencia de Los Yaki en la tarima de Avándaro fue Mayita Campos, consentida de la banda en esos momentos, que trabajo intensamente con varios grupos, entre ellos Bátiz, Los Shakes y Los Esclavos, después con Lucifer, en los Hoyos Fonkys y en el circuito universitario en los anteriores dos años".
Músicos en Avándaro:
Paco El Frijol Madera: Guitarra
Eduardo Toral: Piano
Miguel Ibarra: Batería
Juan Carlos N.: Guitarra
El Abuelo: bajo
Mayita Campos: voz
Posteriormente grabó con Lucifer en el año de 1974, el cual fue grupo plagado de grandes músicos, pero desafortunadamente el disco no tuvo el éxito esperado.
Más adelante junto a Norma Valdéz y Baby Batiz formaron Las Loquettes, grabando un popurrí de covers de música tradicional mexicana en inglés con Mr Loco en 1978.
Después se metió a estudiar 5 años en el Conservatorio de Música como cantante concertista y más adelante desapareció de la escena por 10 años. En 1993 participa con Javier Bátiz haciendo coros en el disco Si tú te acuerdas de mi, en discos Denver.
Casada con Luis Enrique Sánchez, pasó a ser parte de Ginebra Blues Band, y con ésta produjo Un mundo sin hambre, en 1998. "De 1990 a la fecha he estado organizado El encuentro de mujeres, y festivales de jazz, blues y rock", apunta. En 2001 grabó un nuevo disco, Concierto ecléctico de jazz y blues, que se capturó en vivo en La casa del Lago, como parte de un ciclo realizado en el Foro Rosario Castellanos.
Gracias a René Manning de Los Shippys por este video
No es que Tin Tán sea considerado un crooner, o un rocanrolero nato, pues era ya todo un veteranazo cuando empezaba la moda del rocanrol.....pero son clásicas sus versiones a temas rocanroleros (mas baladas) "De las tobilleras a las medias" (Bobby sox to stockings de Frankie Avalon) y "Personalidad" (Personality de Lloyd Price) a una versión muy interesante de "I want to hold your hand" (Quiero rascarme aquí" de Los Beatles.
Nacido como Germán Genaro Cipriano Gómez Valdés Castillo en pleno centro de la ciudad de México el 19 de septiembre de 1915, por cuestiones laborales de su padre, crece en Ciudad Juárez y es ahí, donde sin querer, entra en contacto con todo el mundo "pocho", con los "pachucos", estos mexicano-estadounidenses que crearon toda una cultura (se dice que uno de los padres de los 'pachucos' fue Lalo Guerrero) que en parte, le dió el éxito a Tin Tan en sus inicios filmográficos.
Precisamente, fue gracias a sus dotes de imitación cuando le invitan a participar en un evento, y de ahí, se une a la caravana de artistas que hacían una gira, y llega al D.F., donde hace "migas" con el que sería su amigo y colaborador durante muchos años, Marcelo Chávez, su "Carnal Marcelo".
Claro que los 'Pachucos' no eran bien vistos, y su personaje, crea controversias entre la sociedad mexicana, siendo defendido por gente como Salvador Novo, o muy criticado por personajes como Vasconcelos...y ese personaje le abre las puertas gracias a la película 'El hijo desobediente'. Es en las películas donde hace de todo un poco, musicalmente hablando....destacando sus "cha cha chás", sus rumbas y danzones, y pasando por el rock y el twist ya entrados los sesenta.
Esta versatilidad de Tin Tan, hace que Disney lo haya escogido para doblar películas infantiles, sobre todo, Los Aristogatos y la clásica El libro de la selva, donde se lleva las palmas con el oso Balú. Por desgracia, una hepatitis le lleva a la cama y al derivar en un tumor, fallece en 1973.
Por su grano de arena en la etapa del rock mexicano de los 50 y 60 (ahí aparece su participación y su canto de rock, en la película 'Pilotos de la muerte', donde aparecen también los Teen Tops), se le hará un reconocimiento póstumo gracias a un buen amigo, Arturo Lara y su trabajo en la creación de la Enciclopedia del Rock Mexicano. Mientras, esta entrada es mi pequeño homenaje a este gran actor que ha hecho reír a muchas generaciones y lo seguirá haciendo.
Esta chica es toda una rareza, Karen, a quien tengo no mas de 5 días de haberla conocido, gracias a Obed González, quien me compartió algunos temas de ella. Espero les guste. Les dejo la información que viene en la contraportada del LP.
"Rara vez surge un nuevo talento, una persona dotada de privilegio y de la capacidad de sentir el latido de una emoción y poder transmitirla de una manera penetrante y plena de éxtasis.
Karen es de este talento. Su voz dulce e íntima, a veces serena y tranquila, a veces sensual y voluptuosa, produce una sensación sutil y embriagadora. Su éxito se debe simplemente a su habilidad de reconocer que para obtenerlo, es necesario solamente vivir, vivir plenamente la vida. Esto es alcanzar el mayor éxito.
-¡Mira a tu alrededor! -dice ella. Siento el calor del sol, el olor de la tierra mojada, fija tus ojos en los colores de la naturaleza: La esencia de la vida está en todas artes, pero no sabemos captarla.
Las canciones de Karen revelan esa soledad espiritual...el deseo de alejarse de un mundo mecánico y frío, para cultivar su sensibilidad y poder comprender mejor los secretos de la vida.
Todo esto no es nuevo ni único; pero el valor de Karen está en la singular y dulce expresión que ella emplea, para confesarnos su propio estado espiritual, su inconformidad, desesperación y ternura, debido a la experiencia de sentir la mas grande felicidad y el mas profundo dolor de vivir en este mundo inestable y caótico".
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